Жан Антуан Ватто родился 10 октября 1684 года в городке Валансьенн на границе Франции и Фландрии. Около 1702 приехал в Париж, работал как копиист. Учение у живописцев Клода Жилло (1703–1707/08) и Клода Одрана (1708–1709) способствовало пробуждению интереса Ватто к театру и декоративному искусству. В начале своего творчества Ватто писал батальные сцены, но для него, видимо, столь же привычной была и жанровая живопись рубенсовской традиции, широко открытая чувственной стороне жизни. Антуан Ватто испытал сильное влияние творчества Питера Пауля Рубенса, произведения которого изучал в Люксембургском дворце в Париже.
Эта картина имеет также другое название «Любовь в итальянском театре комедии дель арте». Комедия дель арте (Commedia dell'arte) — особый вид драматических представлений, игравшихся в Италии в XVI, XVII и XVIII веках. Есть указание на их существование в Северной Италии в конце XV века. Они обыкновенно разыгрывались труппами профессиональных актеров по коротеньким либретто (scenario), где вкратце излагалось действие каждой сцены. Происхождение их восходит к средневековым народным представлениям скоморохов (saltimbanchi), потомкам римских гистрионов и ателлан. Связь их с народными представлениями явствует из шутовских проделок (lazzi) слуг-шутов (zanni), составлявших большую часть этих представлений. Lazzi очень похожи на типичные скоморошьи проделки. Название одного из слуг-шутов, Арлекин, роднится с именем одного черта Arlequino (Данте, "Ад", XXI, 118) и Hellequin (Erlkonig) старофранцузской пьесы Адама де ла Галь; по всей вероятности, оно перешло в комедию дель арте через изображения ада в средневековых религиозных пьесах. Другие излюбленные типы персонажей комедии дель арте: Бригелла, Пульчинелла, Педролино, Вилано (мужик) и Маццитино — тоже народного происхождения. В XVI веке комедия дель арте испытала сильное влияние писанной классической комедии. Основные сюжеты в обеих комедий очень близки и трудно отделить их одну от другой. Существовал и средний тип полуписанной комедии, где главные сцены были написаны, а роли шутов исполнялись без писанного текста. Главные действующие лица: Дотторе, Панталоне, Капитано, Коломбина, Скарамуччия Франка-Триппа, молодые влюбленные и другие, также принадлежат одновременно и писанной и импровизированной комедии дель арте. Сцена никогда не менялась и представляла площадь, как у римских комиков; но иногда играли и на сцене завешанной, вместо кулис, занавесью. Нововведение, сделанное комедией дель арте, заключается в допущении женщин играть женские роли (на сценах большинства тогдашних европейских театров эти роли исполнялись мальчиками). Успех импровизированных комедий дель арте был так велик, что авторы классических комедий середины XVI века часто жалуются на холодность публики к их пьесам, потому что они мало выводят персонажей с их грубыми шутками. Из северной Италии комедия дель арте распространилась и во Францию. Комедии дель арте продержались до XVIII столетия и только Гольдони, позаимствовавший, однако, из них очень многое, нанес им решительный удар, развив в публике вкус к более реальным и правильным представлениям.
В 1717 Ватто было присвоено звание академика. На рубеже 1720-х годов художник посетил Великобританию. Обращаясь к мотивам, почерпнутым из современной ему жизни, Ватто вносил в них особую интимность и лирическую взволнованность.
Иногда эту картину художника именуют как «Удача». Видимо, исследователи творчества Ватто и историки живописи периода рококо не могут сойтись во мнении, кто из героев этой пары на картине больше пострадает, или кто достигнет нужного результата на этом весьма уединенном свидании. Замечательные рисунки Ватто наделены трепетной живописностью, он был великолепным рисовальщиком. Рисовал Ватто достаточно часто, но свои рисунки бережно хранил от посторонних глаз и очень редко кому показывал. Большая часть из его рисунков стала достоянием общественности и художественных кругов Франции только после смерти Ватто. Обычно рисунки исполнялись художником в трехцветной гамме (красной, черной и белой), что позволяло передать ощущение красочных оттенков и тонких градаций пластической формы.
В зрелый период творчества Антуан Ватто разрабатывает новый тип сюжетов – театральные сцены и “галантные празднества”, в которых за галантной игрой постоянно повторяющихся персонажей, под маской актера кроется бесконечное разнообразие оттенков поэтического чувства, целый мир тончайших душевных состояний, нередко окрашенных иронией и горечью, порожденной столкновением мира мечты с реальностью.
Богатство эмоциональных оттенков в этих картинах Антуана Ватто подчеркивается пейзажем, окрашенным тонким лирическим чувством, изящной выразительностью поз и жестов, изысканностью нежных цветовых сочетаний, трепетной игрой красочных нюансов и как бы вибрирующих мазков.
В XV и XVI столетиях большие танцевальные увеселения при дворах и дворянских замках происходили очень редко и только при Марии Медичи, которая впервые перенесла также во Францию маскарады, и еще более при галантном короле Генрихе IV, балы получили широкое распространение. Настоящую свою форму балы сохраняют со времен Людовика XIV, когда они привились и во всех немецких резиденциях. С тех пор балы составляют существенную часть большинства придворных празднеств. Для балов выработался мало-помалу, первоначально во Франции, определенный церемониал, который, несмотря на свою стеснительность, с небольшими изменениями был принят повсеместно, и лишь в новейшее время несколько упрощен. С 1715 года в Париже стали устраиваться балы в здании оперного театра (Bal de l'Opèra), и вместе с тем дана возможность лицам среднего сословия, за известную плату, принимать участие в этих, посвященных исключительно танцам, увеселениях. С тех пор балы становятся общественным развлечением для всех сословий.
Глубокие размышления Ватто о сущности подлинно высокого искусства, которое он противопоставляет искусству ложно-значительному, парадно-официальному, отразились в картине “Вывеска лавки Э.Ф. Жерсена”. Не привыкший выслушивать похвалы своим картинам, Ватто был очень скромен, допуская, что некоторые из его рисунков все же могли бы понравиться публике.
По возвращении из Англии в 1720 году в Париж для лавки «Великий монарх», принадлежащей Жерсену, у которого измученный болезнью Ватто попросил приюта, он написал одно из самых знаменитых своих произведений и единственное, которым он был доволен, «Вывеску лавки Жерсена». По словам самого Жерсена, «написана она была за неделю, да и то художник работал только по утрам; хрупкое здоровье не позволяло ему работать дольше». Бытовая сцена с изображением интерьера лавки (в стиле «антикварных лавок» Тенирса) полна метафор — размышлений о своем времени: приказчики упаковывают в ящик портрет короля Людовика XIV — возникают ассоциации и с названием лавки, и с забвением ушедшего века.
Рисунки Ватто делал исключительно для себя, получая от этого живейшее наслаждение, и хранил их в альбомах. Все удачное в картинах Ватто — содержательность и красота мотива, жестов и поз — извлечено из этих набросков.
Три этюда женского портрета
Столь трепетное отношение к рисункам может показаться нарциссизмом, но за этим проглядывает собственная жизнь художника Ватто — и горькая, и счастливая, слишком короткая и озарявшаяся временами тем, что врачи называют pes phthisica — внезапным подъемом сил у больных чахоткой, объяснимым иллюзорной надеждой.
Это — жизнь, проведенная в созерцании приятелей-актеров, одетых в переливающиеся атласные костюмы, флиртующих или музицирующих, жизнь, наполненная страстью и отчаянием, и еще самым главным для Ватто — возможностью рисовать.
Наверное, Ватто часто рассматривал рубенсовские картины в Люксембургском дворце и густонаселенные венецианские действа под величественными колоннадами в полотнах Веронезе. Жаль, что король Людовик XV слабо интересовался живописью — он познал бы много радостей, посещая мастерскую Ватто в нижнем этаже под Большой галереей. При общем невнимании к творчеству Ватто многие картины художника были увезены из страны — в Пруссию в XVIII веке, а в XIX столетии в Англию в коллекцию Уоллес. Генерал-директор Лувра Виван-Денон мог бы восполнить этот пробел, когда наполеоновские армии маршировали на Восток, но он этого не сделал. Любопытно, что он не повесил в Музее Наполеона (так переименовали Лувр) даже “Паломничество на остров Киферу” — картину, которая была конфискована в числе прочих почетных произведений упраздненной Королевской Академии.
Это полотно очень похоже на картину Ватто «Паломничество на остров Киферу», которая была создана годом ранее (1717), хранится в настоящее время в Лувре. Зеленеющие деревья, пухленькие амуры, влюбленные пары, великолепные шелковые платья придают редкую грацию галантным сценам этой картины. Украшенная гирляндами статуя Венеры с Амуром означает, что изображенный здесь идиллический мир связан с поисками любви. Хотя в картине отсутствуют эротические эпизоды, она наделена несомненной чувственностью. Но, как часто бывает у Ватто, очаровательная фривольность картины омрачена оттенком меланхолии - женская фигура в центре с сожалением оглядывается назад, как бы намекая на быстротечность наслаждения. За картину «Паломничество на остров Киферу» Ватто был принят в члены французской Академии. Эта живописная элегия Ватто строится не на коллизии, действии (неясно даже, отплытие или возвращение изображено на полотне), но лишь на едва уловимых оттенках настроения, общей поэтической и эмоциональной атмосфере. Композиция картин «Прибытие на остров Киферу» и «Паломничество на остров Киферу» лишена устойчивости — герои то группами устремляются вглубь картины, то расходятся парами, то вдруг обращаются к зрителю жестами или взглядом. Персонажи словно подчиняются «видимой» музыке — волнами подымающиеся и падающие линии, объединяющие все шествие, почти танцевальные движения пар, паузы, чередования цветовых пятен создают ощущение слышимой мелодии. Ватто был создателем и самым видающимся представителем идиллического жанра галантного празднества, типичного для стиля рококо. Художник неизменно восхищался работами Рубенса, которые оказали решающее влияние на его творчество. Утонченность и изящество Ватто можно считать чисто французскими качествами его искусства.
Для Виван-Денона Ватто был художником, к которому он питал сугубо личное отношение. В его собственном собрании имелось несколько картин Ватто, в том числе и картина “Жиль в костюме Пьеро”. Многие голландские картины, подвергшиеся конфискации и переданные в Музей Наполеона, были отнюдь не героического содержания. Но француз Ватто воспринимался как нечто недостойное славы Франции. Таким образом, искусство Ватто, с самого начала не имевшее непосредственных продолжателей, не оказало существенного влияния на более позднюю живопись Франции.
Полон высокой поэзии печальный и добрый образ наивного простака, героя ярмарочного театра Жиля в картине художника «Жиль в костюме Пьеро». Пьеро — постоянный тип итальянской комедии дель арте, один слуг-шутов. Это — продувной малый, корчащий из себя неуклюжего простака, хитрец, обжора и воришка. Маски на нем нет, но лицо покрыто густым слоем пудры. В пантомиме он часто играет роль соперника Арлекина; является также под именами Бертольдо, Бертолино и Паяццо. Явившись во Францию в пьесах театра итальянской комедии дель арте, Пьеро стал настолько популярен, что выступил действующим лицом в "Дон Жуане" Мольера, а затем самостоятельным героем пьес-пародий, например, "Пьеро-Ромул" Лесажа. Образ Пьеро был совсем забыт, когда в эпоху реставрации его воскресил в театре Гаспар Дебюро. Тип Пьеро, созданный Дебюро в разных пьесах, был настолько интересен, что ему посвящали статьи Шарль Нодье, Жюль Жанэн, Теофил Готье. Таким образом, из всех действующих лиц итальянской комедии дель арте и пантомимы Пьеро удержался на сцене дольше всех.
Поэтическое очарование отличает и рисунки Ватто выполненные обычно сангиной либо в три цвета (мел, сангина, итальянский карандаш). Легкие штрихи и волнистые линии воссоздают в них нюансы пластической формы, движение света, эффекты воздушной среды.
Декоративная изысканность произведений Ватто послужила основой сложения рококо как стилевого направления (хотя в целом творчество художника далеко выходит за его рамки), а его поэтические открытия были подхвачены уже после смерти Ватто французскими живописцами середины – второй половины XVIII века. (Шарден, Ланкре, Патер, Буше, Фрагонар и др.). Английское искусство очень многим обязано Ватто. Тернер называл его своим любимым художником и подражал ему в фантазии, названной “Как Вам угодно”. В другой своей картине Уильям Тернер представил мастерскую Ватто вместе с художником, работающим (как гласит название) “по правилам Шарля Дюфренуа”.
Так называемые "галантные сцены" Ватто — «Радость жизни» (см. выше) и «Венецианский праздник» изображают мир мечты с оттенком грусти. Иконография «галантных празднеств» («fetes galantes») восходит к «садам любви», известным еще с эпохи средневековья. Однако в отличие от парковых идиллий рококо «сады любви» Ватто олицетворяют не просто праздник прекрасной природы, в красочно утонченных полотнах зыбкая поэзия чувств и размышлений о человеческом бытии на земле окрашена в проникновенно печальные лирические интонации.
текст
Комментариев нет:
Отправить комментарий